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Título original: The Collector
Dirección: William Wyler
Guión: Stanley Mann, John Kohn
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Robert Krasker, Robert Surtees
Reparto: Terence Stamp, Samantha Eggar, Kenneth More, Mona Washbourne,
Países: Reino Unido /EE.UU
Año: 1965
Género: Drama, suspense
Duración: 119 min.

Freddie (Terence Stamp) es un chico excesivamente tímido e introvertido, que tiene por afición coleccionar mariposas. En Londres, observa a una chica, Miranda (Samantha Eggar), estudiante de Arte, por la cual comienza a sentir una enfermiza atracción. A partir de dicho momento comenzará a perseguir a la chica, llegando a controlar sus movimientos, hasta que un día consigue secuestrarla. Tras el secuestro, Freddie lleva a la chica a una casa de campo aislada, donde la retiene en el sótano durante un mes, tiempo en el que se dan todo tipo de sentimientos entre los dos personajes…

La película está basada en la excepcional novela homónima de John Fowles. En mi opinión, El coleccionista es uno de los mejores dramas psicológicos que se han realizado hasta nuestros días. Nos encontramos ante una película perturbadora, asfixiante y con una atmósfera totalmente envolvente. Para provocar dicha sensación en el espectador recurre Wyler a un ritmo narrativo lento y poco acelerado. El coleccionista, representa además un paréntesis en la filmografia de este director, consiguiendo así realizar una obra más personal que las anteriores. Resulta también muy destacable la magnífica interpretación de sus dos actores principales (Terence Stamp y Samantha Eggar), consiguiendo dotar la obra de ese realismo que le caracteriza.

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Título original: Les yeux sans visage
Dirección: Georges Franju
Guión: Claude Sautet, Pierre Boileau, Thomas Narcejac
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Eugen Schüfftan
Reparto: Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Maynel, Edith Scob, François Guérin, Alexandre Rignault, Beatrice Altariba
País: Francia
Año: 1960
Duración: 88 min.

El reconocido cirujano Genessier secuestra a hermosas jóvenes a las cuales les arranca la piel del rostro para después poder efectuar operaciones en el desfigurado rostro de su propia hija, con el fin de devolverle su belleza original, puesto que su cara se ha quedado totalmente desfigurada tras un fatal accidente. Pero las operaciones que éste realiza a su hija no consiguen dar resultados, y el rostro vuelve a descomponerse una y otra vez, con lo que el el Dr. Genessier necesitará de más jóvenes para lograr su objetivo…

No encontramos ante una pelßicula cuanto menos sorprendente. Franju inicia el film utilizando secuencias que pueden resultar un tanto largas, con un ritmo más bien lento. Estás secuencias precisamente, acabarán dotando de significado a la película. En cierto modo Franju engaña al espectador; le hace pensar que el horror no va a ser mostrado, para ir así amplificando la violencia a lo largo del desarrollo y conseguir la reacción del espectador. Les yeux sans visage es, sin lugar a dudas, una gran rareza de la filmografía francesa, que se convertirá, en cierto modo, en una precursora del cine gore.

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Título:Lifeboat
Dirección: Alfred Hitchcock
Guión: Jo Swerling (Historia: John Steinbeck)
Fotografía: Glen MacWilliams
Música: Hugo Friedhofer
Reparto: Tallulah Bankhead, John Hodiak, William Bendix, Hume Cronyn, Mary Anderson, Walter Slezak, Henry Hull, Canada Lee, Heather Angel
País: EE.UU
Género: Intriga
Año: 1944
Duración: 96 min.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un barco perteneciente al bando aliado se hunde tras el impacto de un torpedo alemán. Tan solo conseguirán sobrevivir siete tripulantes americanos e ingleses que se encontrarán a bordo de la balsa salvavidas, a los que se acabará uniendo un oficial nazi al que encuentran perdido en medio del océano. El misterioso oficial esconde oscuras intenciones y se acabará convirtiendo en un elemento desestabilizador dentro de la balsa, hasta el punto de acabar logrando el dominio del resto de los tripulantes. Las condiciones naturales obligan a los personajes a vivir situaciones tan extremas que no podrán evitar sufrir algunas bajas. A partir de entonces, el destino de sus vida será del todo incierto.

Estamos ante una de las películas más inquietantes del “genio del suspense”. Se trata de una pequeña pero heterogénea muestra de personas, que han de representar  a la especie humana en general. El film posee un palpable aura de terror psicológico que no le dejará indiferente.

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Título: La torre de los siete jorobados
Dirección: Edgar Neville
Guión: Emilio Carrere, Edgar Neville
Música: José Ruíz de Azagra
Fotografía: Enrique Berreyre
Reparto: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán, Antonio Riquelme
País: España
Año: 1944
Duración: 81 min.

Por las calles del Madrid castizo del siglo XIX, el fantasma del profesor Mantua revela al estudiante Basilio la existencia de una ciudad subterránea en la que habitan multitud de siniestros jorobados que se dedican a cometer terribles actos criminales. Basilio conseguirá encontrar la torre de los siete jorobados, donde permanece secuestrada y en estado de hiponisis Inés, la sobrina del doctor.

La torre de los siete jorobados es una adaptación cinematográfica de una novela de Emilio Carrere. Está considerada como una de las primeras películas de ficción de nuestro país y, supone toda una excepción, en lo que respecta a la época en la que está realizada y en cuanto a su temática.
En esta película podemos encontrar influencias tanto del expresionismo alemán como del cine gótico, lo cual es palpable en las escenas en las que se recrea la ciudad subterránea dominada por los jorobados.
Esta película posee lo que muchas otras de gran presupuesto podrían desear: mucha imaginación y grandes dosis de ingenio. Considero que es un diamante en bruto de nuestra filmografía. Absolutamente recomendable.

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Título original: Die bitteren Tränen der Petra von Kant
Dirección: Rainer Werner Fassbinder
Guión: Rainer Werner Fassbinder
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Michael Ballhaus
Reparto: Margit Carstensen, Hanna Schygulla, Irm Hermann, Katrin Schaake, Eva Mattes, Gisela Fackeldey
País: Alemania
Año: 1972
Género: Drama
Duración: 124 min.

Petra von Kant es una existosa diseñadora de moda , recientemente separada de su marido y que convive con su secretaria- esclava a la que trata con desprecio. A través de su amiga y confidente Sidonie conocer a Karin, una joven de origen humilde, a la que ofrece una tentadora carrera como modelo si se queda a su lado. Petra se enamora locamente de Karin, hasta que un día Karin decide abandonarla al saber que su marido, que había estado viviendo fuera del país, regresa a Alemania. Petra entrará a partir de entonces en una fuerte depresión, que desembocará en un ataque de rabia en presencia de Sidonie, su madre y su hija adolescente.

Las amargas lágrimas de Petra von Kant es, bajo mi punto de vista, cine escrito en mayúscula. Tomando como referencia esta historia de amor lésbico nos propone una profunda reflexión sobre el amor, la posesión, la autodestrucción…La acción transcurre íntegramente en el apartamento-estudio de Petra y es aquí donde el genio alemán nos sorprende con un maravillosos Kammerspiel. Destacable es además la maravillosa elección de la música y, el vestuario dotado de un toque elegante y exótico. Absolutamente imprescindible.

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Título:La caduta degli dei
Dirección:  Luchino Visconti
Guión: Luchino Visconti, Nicola Badalucco, Enrico Medioli
Fotografía: Pasqualino De Santis & Armando Nannuzzi
Música: Maurice Jarre
Reparto: Dirk Bogarde, Ingrid Thulin, Helmut Berger, Helmut Griem, Charlotte Rampling, Umberto Orsini, Florida Bolkan, Rene Koldehoff, Nora Ricci
País: Italia
Género: Drama
Año: 1969
Duración: 164 min.

Mientras el nacionalsocialismo ha tomado el poder en Alemania, el clan directivo de una importante empresa dedicada a la siderurgia discute el plan de actuación con respecto al desarrollo de los previsibles acontemicientos. Tan sólo Herbert se niega  a colaborar con el régimen nazi, especialmente tras el incendio del Reichstag, que supone para él una prueba concluyente y definitiva de la tiranía que se acecha sobre Alemania. Herbert tendrá que abandonar finalmente el país, acusado de asesinato. Detrás quedan Elizabeth, su esposa y las dos hijas de ambos. Los propietarios de la empresa van a encontrarse en medio de las luchas por el poder, especialmente entre las S.A y el Ejército.

El barroquismo de Visconti unido a los personaje de toque brechtiano, más la interpretación de los actores hacen de esta película una de las mejores de la filmografía del artista italiano. La película es una especie de genial híbrido entre Macbeth y Edipo en tiempos del nazismo emergente en la cual la corrupción, ya sea moral o de cualquier índole se convierte en uno de los temas principales. Una película imprescindible de Luchino Visconti.

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Título: Germania, anno zero
Dirección: Roberto Rossellini
Guión: Roberto Rossellini, Carlo Lizanni, Max Colpet
Música: Renzo Rossellini
Fotografía:Robert Juillard
Reparto: Edmund Moeschke, Werner Pittschau, Franz Krüger, Alexandra Manys, Erich Gühne
Países: Italia/Alemania/Francia
Género: Drama. II Guerra Mundial
Año: 1948
Duración: 74 min

Edmund, un niño de tan solo 12  años, intenta encontrar la manera de sobreviri en las duras condiciones en las que se encuentra Alemania tras la II Guerra Mundial, concretamente en Berlín, una ciudad totalmente destruída tras la guerra.

Ganadora en el Festival de Locarno de 1948, fue dedicada  por Rossellini a su hijo Romano, fallecido en agosto de 1946. Nuevamente Rosselini centra su mirada en los perdedores, derrotados por tener que vivir una vida dedicada a pagar las culpas de los demás. Con un final desesperado y una visión de la vida trágica y sin esperanzas, el director cierra la trilogía comenzada con Roma ciudad abierta y continuada con Paisà. Se trata de una cinta demoledora, con una gran capacidad de impacto en el espectador, al que conmueve, convirtiéndose en arrebatadora. El elemento de crudeza realista, típico del Neorrealismo Italiano se estará nuevamente presenta en todas y cada una de las escenas de esta joya cinematográfica que no pueden perderse.

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Título:Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
Dirección: F. W. Murnau
Guión: Henrik Galeen
Fotografía: Fritz Arno Wagner
Escenografía: Albin Grau
Vestuario: Albin Grau
Reparto:
País: Alemania
Género: Terror
Año: 1922
Duración: 94 min.

1838.  En la ciudad de Wisborg vivern felices el joven Hutter y su esposa Ellen, hasta que un extraño agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el siniestro conde Orlock. El asunto se trata de la venta de la finca vecina a la casa de Hutter. De camino a Transilvania, el joven ojea un antiguo libro sobre vampiros que encuentra en la habitación de la posada donde se aloja. Ya en el castillo es recibido personalmente por el conde, que tiene una excitación en el momento en que el joven se corta accidentalmente un dedo. A la mañana siguiente, Hutter observa que tiene dos marcas en su cuello, pensando que éstas son simples picaduras de mosquito. Cuando ya ha firmado el contrato descubre que el conde es en realidad un vampiro. Cuando el conde parte hacia su recién adquirido hogar, Hutter comenzará a temer por Ellen.

Murnau deseaba realizar una adaptación de la novela Drácula (Bram Stocker), pero su estudio no consiguió hacerse con los derechos de autor de la historia. Fue entonces cuando decidió hacer su propia versión de la historia, dando como resultado algo argumentalmente similar. Nosferatu es uno de los referentes del expresionismo alemán, predomiando así sus escenarios y las atmósferas que envuelven el film sobre los personajes. La cinta, por otra parte tiene ese componente romántico y evocador, sin dejar a un lado el terror.

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Título:Edipo re
Dirección: Pier Paolo Pasolini
Guión: Pier Paolo Pasolini (Obra: Sofocles)
Fotografía: Giuseppe Ruzzolini
Música: Varios
Reparto: Silvana Mangano, Franco Citti, Alida Valli, Carmelo Bene, Julian Beck, Luciano Bartoli, Francesco Leonetti, Ahmed Belhachmi, Giovanni Ivan Scratuglia, Giandomenico Davoli, Ninetto Davoli, Laura Betti, Pier Paolo Pasolini, Isabel Ruth
Países: Italia/ Marruecos
Género: Drama
Año: 1967
Duración: 99 min.

En los años 20, al calor de una familia burguesa de Lombardía, nace Edipo. Trasladada la acción repentinamente a la Grecia antigua, Layo y Yocasta, reyes de Tebas, descubren a través del oráculo que Edipo acabará matándo a su padre y casándose con su madre. Por este motivo, encargan a un esclavo para que mate al recién nacido sobre el monte Citerón. El esclavo, enternecido es incapaz de realizar la acción, abandonando a bebé, que poco después será recogido y adoptado por el rey de Corinto. Sin conocer aún sus orígenes, regresa a Tebas siendo ya adulto, cruzándose en su camino Layo. Tras una discusión acabará matándole, sin saber que era en realidad su padre. Posteriormente se casará en Tebas con la viuda del rey, es decir su madre.

Puede que Edipo rey no sea una de las películas mas destacadas del genial director italiano, sin embargo sí puede que esta película sea la más íntima de todas, y no sólo por su contenido autobiográfico, sino sobre todo por cómo consigue llegar a partir de un mito clásico  a una crítica del mundo contemporáneo de una forma que muy pocos pueden hacer, a través de sutileza y con una narración que le propone al espectador una libertad para buscar la verdad por su cuenta.

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Título:La chambre verte
Dirección: François Truffaut
Guión: François Truffaut & Jean Gruault
Fotografía: Néstor Almendros
Música: Maurice Jaubert
Reparto: François Truffaut, Nathalie Baye, Jean Dasté, Jean Pierre Moulin, Antoine Vitez
País: Francia
Género: Drama
Año: 1978
Duración: 94 min.

En un pequeño pueblo francés, a finales de la década de los años 20 vive el periodista, cuya mujer, Julie,  está muerta desde hace una década. Recoge todas y cada una de las pertenencias de Julie y las coloca en la habitación verde, cuando un incendio destruye la habitación, Julien acabará consiguiendo una capilla junto al cementerio que dedicará a Julie y a otros muertos cercanos.

La habitación verde le deja al espectador una extraña sensación, la del vacío que dejan los muertos en los personajes vivos y también la imposibilidad de éstos de acoger el amor. La película está dominada por el espíritu de su protagonista de fidelidad a un amor del pasado. Por otra parte el mundo de los vivos está representado por el personaje de Cecilia, que desarrollará una amistad con Julien basada en las confidencias y en la que el amor juega un papel importante.  Ambos, si bien vivos, viven muertos en su soledad e independencia, con la mente puesta en los que se fueron, y el corazón invadido por sentimientos de nostalgia y eternidad.  Música lúgubre y fotografía tenebrista para ambientes mortuorios y cementerios al anochecer que dejan, sin embargo, vislumbrar un amor naciente al que le es prácticamente imposible desarrollarse.

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