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Título original: Peeping Tom
Dirección: Michael Powell
Dirección artística: Arthur Lawson
Guión: Leo Marks
Música: Brian Easdale
Fotografía: Otto Heller
Reparto: Karlheinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Brenda Bruce, Miles Malleson
País: Reino Unido
Año: 1960
Duración: 101 min

Marl Lewis (Karlheinz Böhm) es un psicópata que se dedica a fotografíiar y filmar a sus vícitmas cuando mueren, poseído por la alucinación y marcado por su infancia. Su padre había sido un científico obsesionado por captar y estudiar las reacciones infantiles hacia el miedo, para lo cual había utilizado  a su propio hijo como objeto de estudio. Mike acabará convirtiéndose así en un adulto que necesita asesinar para captar el terror a través de su objetivo.
Peeping Tom mantiene interesantes influencias del thriller de Hitchcock y posee marcadas conexiones con Blow up de Michelangelo Antonioni. A su vez, ha influenciado a películas y directores posteriores, como es el caso de Tesis, de Alejandro Amenábar.

Creo que uno de los grandes hallazgos de Michael Powell es que en este film, se nos revela la identidad del asesino prácticamente desde el inicio. En mi opinión, esta obra es en sí misma un homenaje al cine y la propia idea del mismo; el acto del voyeurismo. Una obra imprescindible.

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Título: Blow-up
Dirección:  Michelangelo Antonioni
Guión: Tonino Guerra & Michelangelo Antonioni (Cuento: Julio Cortázar)
Música: Herbert Hancock (AKA Herbie Hancock)
Fotografía: Carlo Di Palma
Reparto: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles, Jane Birkin, Gillian Hills, Verushka
País: Inglaterra
Género: Drama/ Intriga
Año: 1966
Duración: 108 min.

Un fotógrafo que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre revelando las fotos una forma irreconocible que aparenta ser un cadáver. La historia está basada en un cuento de Julio Cortázar (Las babas del diablo), incluido en su obra Las armas secretas. Cortázar aparece realizando un cameo en una de las fotografías mostradas en la película. En el relato, la la pequeña historia y su significado es contado de una forma distinta a como se cuenta en el film de Antonioni.

Tras el estreno de la película, Antonioni confesó que debía realizar otra cinta para poder así explicar el significado de la misma. Como curiosidad, el personaje principal está inspirado en el fotógrafo David Bailey. La cinta, además de ser un interesantísimo thriller es además el testimonio de una ciudad de una época, ofreciéndonos un maravilloso retrato visual de la moda pop de aquel momento. Imprescindible para todos aquellos fans del fenómeno psicodélico y pop de los 60.

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Título: El ángel exterminador
Dirección: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel & Luis Alcoriza
Música: Raúl Lavista, sobre temas de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Domenico Scarlatti, canto gregoriano y varios “Te Deum”
Fotografía: Gabriel Figueroa
Reparto: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Claudio Brook, José Baviera, Augusto Benedicto, Luis Beristáin, Antonio Bravo, Jacqueline Andere
País: México
Género: Drama surrealista
Año: 1962
Duración: 93 min.

Un grupo de burgueses de la Ciudad de México son invitados a una cena en la mansión de los Nóbile tras asistir a la ópera. Los sirvientes y los cocineros pronto sentirán deseos de abandonar la mansión, y se marchan. Los invitados, al terminar la cena, se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por alguna razón que ni ellos mismos entienden, puesto que no hay nada que aparentemente se lo impida. A medida que los días van pasando comienzan a escasear el alimento y la bebida, los personajes acaban enfermándose y la basura se va acumulando.  Desde ese momento, las buenas costumbres y la cordialidad inicial se van perdiendo poco a poco para derivar en un  comportamiento prácticamente animal.

Lo que le interesaba  a Buñuel era hacer una película de desastre, de naufragio, como la escena evocada en el cuadro de La balsa de la Medusa, de Gericault.  Buñuel lo traslada a un lujoso salón burgués donde los comportamientos de la refinada burguesía se convierten en actos humillantes que rozan la degradación en una situación tan extrema como la que se reproduce.

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Título: Muerte de un ciclista
Dirección: Juan Antonio Bardem
Guión: Juan Antonio Bardem & Luis Fernando de Igoa
Música: Isidro B: Maiztegui
Fotografía: Alfredo Fraile
Reparto: Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corra, Carlos Casaravilla, Manuel Alexandre, Matilde Muñoz Sampedro
Países: España/ Italia
Género: Drama
Año: 1955
Duración: 88 min.

María José (Lucía Bosé) está casada con Miguel de Castro (Otello Toso), sin embargo mantiene una  romance extramatrimonial con un profesor de Universidad llamado Juan Fernández Soler (Alberto Closas). Una tarde atropellan accidentalmente a un ciclista. Temerosos de que su idilio pueda ser descubierto, deciden ocultar el faltal accidente y salir huyendo.
Esta película, a pesar de su intención de sortear a la censura de la época, acabó obteniendo la calificación de “gravemente peligrosa”, estrenándose fuera de concurso en Cannes, donde obtuvo el Premio de la Crítica Internacional del Festival. El film nos muestra una aparente simplicidad argumental, que en el fondo lo que hace es ocultar un simbolismo menos aparente, que fue precisamente el que desperto el recelo de las autoridades. Sin embargo la colaboración del por entonces influyente productor Manuel Goyanes consiguió sacar adelante el proyecto. Bardem ya contaba con la presencia de Alberto Closas para el personaje de Juan, y la productora italiana Trionfalcine aportó la presencia de Lucía Bosé.

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Título:The Prowler
Dirección: Joseph Losey
Guión: Hugo Butler, Dalton Trumbo (Historia: Robert Thoeren, Hans Wilhelm)
Fotografía: Arthur C. Miller
Música: Lyn Murray
Reparto: Van Heflin, Evelyn Keyes, John Maxwell, Katherine Warren, Emerson Treacy, Madge Blake, Wheaton Chambers, Robert Osterloh, Sherry Hall, Louise Lorimer
País: EE.UU
Género: Cine negro/ Thriller
Año: 1951
Duración: 92 min.

Webb Garwood (Van Helfin), es un oportunista policía nocturno al cual se le presenta la oportunidad de su vida la noche en que conoce a Susan (Evelyn Keyes), una solitaria y triste joven casada con un famoso locutor de radio que trabaja todas las noches (Sherry Hall) mucho mayor que ella. Así comennzará con Webb una historia de amor que desarrollará por las noches cuando su marido se encuentra trabajando. Webb acabará maquinando un complicado plan para conseguir el sueño  de su vida, ser el propietario de un fructífero motel en Las Vegas, pero todo acabara viniéndose abajo cuando descubren que ella se encuentra embarazada.

Nos encontramos con una película magistral en su género que no pasa inadvertida para el espectador. La más que inquietante figura del merodeador que ronda, que nos vigila, que nos mira, que nos acecha se queda grabada en nuestra retina. El merodeador, a pesar del paso del tiempo, sigue siendo arrebatadora, nos narra una historia tan real como la vida misma y acabá envolviéndonos a través de increíbles escenas y una cuidad fotografía. Una recomendación que no pueden perderse.

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Título: Faces
Dirección: John Cassavetes
Guión: John Cassavetes
Música: Jack Ackerman
Fotografía: Al Ruban
Reparto: John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Fred Draper, Seymour Cassel, Val Avery
País: EE.UU
Género: Drama
Año: 1968
Duración: 130 min.

Richard Forst es un hombre de negocios maduro y casado que tiene una aventura con la joven Jeannie, y acto seguido le pide el divorcio a su mujer Maria. Tras una fuerte discusión con su mujer, Richard abandona la casa para reunirse con su amante Jennie, Maria conoce junto a unas amigas a un tipo en un bar y acaba pasando la noche con él. A la mañana siguiente, Richar regresará a su casa  encontrándose así a su esposa con el nuevo joven amante. Cuando el amante huye, al matrimonio no le quedará otra solución más que enfrentarse cara a cara con sus problemas.

Tras rodar Faces, Cassavetes se encontró con un material de nada menos que ciento quince horas y, como es lógico, el montaje se convirtió en complicado y caótico. Se hiceron varias versiones, desde la primera de unas ocho horas, hasta la definitiva de dos horas, pasando por seis horas y otras de tres y cuatro. Sin embargo, a pesar de las continuas modificaciones, cortes y ampliaciones, el resultado final es excelente.

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Título: The Incredible Shrinking Man
Dirección: Jack Arnold
Guión: Richard Matheson
Música: Joseph Gershenson
Fotografía: Ellis W. Carter
Reparto: Grant Williams, Randy Stuart, April Kent, Paul Langton, William Schallert, Billy Curtis
País: EE.UU
Género: Fantástico/ Ciencia Ficción
Año: 1957
Duración: 81 min.

Scott Carey (Grant Williams) se encuentra con una misteriosa niebla radioactiva cuando navega por el mar en el barco de un amigo en plenas vacaciones. Sin conocer aún las dimensiones de lo que acaba de sucederle y lo perjudicial que será en el futuro,  Scott comenzará a detectar extraños cambios en su cuerpo. Comienzan entonces a disiminuir su peso, su altura y hasta sus órganos hasta quedarse en tan solo dos escasos centímetros. De pronto, cada situación cotidiana de su vida se convertirá en un arma letal: su gato se convertirá en un terrible monstruo para él, y una araña  en su peor enemigo. Carey pronto se dará cuenta que la superviviencia en el nuevo mundo reducido será cuestión de ingenio…

Esta película fue realizada por Jack Arnold, especialista de la Universal en obras de terror y sci-fi. Se basa en la novela “The Shrinking Man”, de Richard Matheson, autor del guión. Se rodó en la costa de California y en Universal Studios, con un presupuesto de serie B. Producido por Albert Zugsmith, se estrenó en abril de 1957. La película es sin duda una de las obras maestras del cine de ciencia ficción que ha aguantado con aplomo el paso del tiempo, incluso en lo referente a los efectos especiales, los cuales no tienen nada que envidiar a los de muchas películas de la actualidad. Todo un clásico del género que no debería faltar en ninguna videoteca…

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Título: La caza
Dirección: Carlos Saura
Guión: Angelino Fons & Carlos Saura
Música: Luis de Pablo
Fotografía: Luis Cuadrado
Reparto:  Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba, Violeta García, Fernando Sánchez
País: España
Género: Drama
Año: 1965
Duración: 93 min.

José; Paco y Luis son tres viejos amigos que se disponen a pasar un día de caza juntos. Les acompaña Enrique, un joven de 20 años que asiste por primera vez a una cacería. El coto de caza es propiedad de Paco y, años atrás había sido el escenario de una batalla durante la Guerra Civil Española. Los tres amigos están pasando por etapas díficiles de sus vidas (problemas con el alcohol, separaciones…) y lo que en un principio parece un apacible día de caza en una tarde de verano se conviertirá en cruel enfrentamiento entre los tres hombres.

Nos encontramos ante una de las mejores películas de nuestra filmografía. Los actores, de gran prestigio en la época, forman un elenco excepcional. La maestría de Saura se hace patente en cada una de las escenas.  La película nos ofrece la peor cara de España, aquella en la que se reflejan las envidias, los odios y los más antiguos rencores. Considero que está película tiene cierto paralelismo con la literatura de Miguel Delibes, la misma en la que se dan cita todo tipo de traumas, rencores y resquemores en un país en el que las heridas no se han curado, pese a que la modernidad  de los sesenta se va haciendo lentamente un hueco en dicha sociedad.

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Título: Hiroshima, mon amour
Dirección: Alain Resnais
Guión: Marguerite Duras
Música: Georges Delerue & Giovanni Fusco
Fotografía: Sacha Vierny & Takahashi Michio
Reparto: Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Stella Dassas, Pierre Barbaud
Países: Francia/ Japón
Género: Drama
Año: 1959
Duración: 88 min

Una joven actriz francesa vive su última noche en Hiroshima acompañada por su amante japonés en la habitación de un hotel. Lo que a simple vista parece una simple aventura entre los dos personajes, poco a poco se va convirtiendo es un momento de gran intensidad y desacarga emocional, que hace a la actriz revivir una historia de amor imposible que vivió en el pasado, en Nevers (Francia) años atrás, durante la ocupación alemana. La fugaz relación amorosa se convierte en un proceso introspectivo en el cual la mujer revela sus sentimientos más profundos y le hace a su compañero parícipe de ellos, junto con una detallada reconstrucción del pasado, todo ello hasta entonces oculto.

Hiroshima, mon amour es una comprometida y singular película que se ha convertido en uno de los referentes iniciales de la nouvelle vague del cine francés de finales de los cincuenta. La reivindicación pacifista y los peligros ante una posible guerra nuclear, ambos de gran actualidad en el momento de la concepción del film, son algunos de los temas centrales de la cinta. Cabe destacar la participación en la realización de la película de la escritora francesa Marguerite Duras, de quien surgió inicialmente la historia tras un encuentro con Resnais y que escribió un excelente guión.

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Título:Das blaue Licht
Dirección:Béla Balázs, Leni Riefenstahl
Guión: Béla Balázs, Leni Riefenstahl (Novela: Gustav Renker)
Fotografía: Hans Schneeberger & Heinz von Jaworsky
Música: Giuseppe Becce
Reparto: Leni Riefenstahl, Mathias Wieman, Beni Führer, Max Holzboer, Martha Mair, Franz Maldacea
País: Alemania
Género: Drama/ Fantástico
Año: 1932
Duración: 70 min.

Junta es una chica que vive sola en un monte en cuya cumbre brilla una luz azul todas las noches; los habitantes del pueblo, temerosos ante la luz, rechazan a Junta y piensan que se trata de una bruja. Sólo un visitante no hace caso de los supersticiosos y decide acercarse a la joven; los dos se sienten mutuamente atraídos, pero la historia de amor se trunca cuando él la sigue sin su consentimiento hasta su refugio y descubre el hasta entonces guardado secreto de la luz azul…

Cuando hablamos de esta excepcional película debemos mencionar que se trata de una gran joya desconocida de la cinematografía europea, sobre todo por la gran capacidad que tiene Leni Riefenstahl para crear imágenes tan sumamente bellas y al mismo tiempo poderosas. Así es como saca el máximo partido tanto de las montañas como de sí misma en su calidad de actriz, pero sin caer en ningún tipo de narcisismo autocomplaciente. Siempre nos quedará la duda de si esta película hubiera marcado el comienzo de una prometedora carrera de su directora en el cine fantástico, puesto que los cambios políticos que se sucedieron en su país acabaron llevando su carrera por otros derroteros.

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